Picasso a través de sus etapas de creación


Pablo Picasso no posee una trayectoria que puede ser estructurada por etapas de alocados saltos artísticos, contrario a esto, cada uno de los procesos en los que se ve envuelta su obra, fue a plena conciencia del autor, quien logró, a través de cada una de sus fases, constituir y formar una personalidad artística propia. Su pintura logra fundir el sentimiento con el trazo, con el claroscuro y el color provocando contrastes visuales. Es necesario colocar su trabajo en distintos periodos de construcción, pero no para definir sus cambios de estilo porque es, precisamente en éste, donde se encuentra lo más perseverante de su obra, bien podríamos decir que estas etapas están enmarcadas por distintas técnicas que permiten al autor el logro de su objetivo, pero el estilo es lo único que no varía pues es lo que resulta verdaderamente único y perdurable.

Hablando especialmente del periodo cubista, que no fue más que un interludio en la obra picasiana y en donde se violenta la inclinación natural al dinamismo, existe una clara tendencia hacia la subjetividad debido a que la representación del objeto se despersonaliza y descompone provocando un espacio irreal. El cubismo tuvo su estética y concepciones definidas, las cuales pueden resumirse en las siguientes: utilización de la razón para comprender y penetrar en el misterio de la vida, no trató nunca de explicar la naturaleza, pretendió siempre una armonía y libertad absoluta (lirismo) en la obra, no aceptó la ingerencia de la realidad física en la constitución mental de la representación, utilizaba la geometría para relacionar formas, las gamas bajas del gris y del ocre además del claroscuro se convirtieron en el elemento de dinamización lírica. La entrada de Picasso al cubismo le dio corporeidad y sentido al movimiento dándole además un espacio referente en vez de uno real.

El periodo azul estuvo dominado por los colores blanco, negro, oro y plata. Su visión de la monotonía y la tristeza de una España parda se ven reflejadas en las telas del pintor. La tonalidad se confunde con la tierra seca, con un cielo nocturno azul profundo, con un lugar contrastante y enigmático. Picasso se reencuentra con sus raíces, esta etapa es encuadrada por la vuelta al lugar del origen, por los inicios matizados en una dicha azul, memorables y penetrantes trazos dedicados a la diaria intimidad con su madre patria.

Un pintor inquieto no cesa nunca de descubrirse, abandona y vuelve, siempre se encuentra entre disyuntivas y encrucijadas que le llevan por el camino de la transformación. Así, después de volver a sus orígenes españoles se abandona al alienante gusto parisino, al erótico y exuberante mundo francés, a los objetos vistosos y alegres, una nueva evolución en la estética picasiana se concerta, es el comienzo del periodo rosa o arlequín. Las formas evocan lo espectacular, es una nueva época llena de gracia, delicadez y finura donde las líneas se estilizan y las imágenes se tornan humorísticas y divertidas. Aunque es la etapa más fecunda del pintor, se abandona de nuevo porque necesita refrescar el estilo y renovar el trazo.

El arte negro empezó a reflejarse en la creación de Picasso, un arte basado en la tradición de la cultura árabe, mientras que para otros pintores existía cierta exoticidad en este arte, para nuestro pintor ese contacto se tornaba natural, directo y civilizado, para él era algo sin ingenuidad y con cierto grado de convencionalismo, en el cual, desfilaban los tonos grises con todas sus variedades y matices. La época realista da continuidad al periodo rosa o arquelín, donde vuelven a retomarse ciertos trazos pero reflejando una mayor madurez artística. Lo seducen nuevamente las vestimentas del arlequín, las mujeres gordas, los temas clásicos y la expresión por medio de la caligrafía. Los cubos dejaron de ser dominantes en esta época. El principio esencial de esta etapa era pintar lo que se veía, porque para Picasso la expresión del conocimiento humano radica en lo que se puede conocer a través de cada momento en la existencia humana, no en la simplicidad de la memoria o de la asociación de sentimientos.

Encontramos que, después de cada una de las etapas de evolución que vive el arte picasiano, la intemporalidad se hace presente en cada una de ellas, inevitablemente, aunque existen relaciones a las tendencias, Picasso no buscó ser vanguardista, no hay ninguna marca de tiempo determinado porque, como se dijo anteriormente, el estilo fue siempre único. Más que intentar descifrar y desnudar el interior humano, trató de particularizar su obra en el espacio exterior con impresiones ópticas de alta abstracción y trascendentalidad. La gloria de su genio está plasmada única y exclusivamente a sus cualidades artísticas y plásticas, fuera de eso, Picasso se mantuvo al margen de cualquier tipo de acción protagónica en la sociedad de su tiempo, no se constituyó como filósofo ni escritor, su oficio fue siempre lo más eminente de su vida, la pintura.

Los ambientes son los paisajes de los cuerpos, el fondo humano importa más que la naturaleza misma porque la figura es el espacio simbólico que se plasma, por eso se conserva en la obra la ventaja de la sorpresa y la estupefacción ante las apariencias de los objetos que se encuentran eliminadas y abandonadas a los signos habituales dando paso a la abstracción y el simbolismo.


Reyna V. Méndez R.